L’Art à Paris dans les années folles !

Après la guerre et tout au long des années 1920, Paris a connu une floraison exceptionnelle de la vie artistique et culturelle. Ses coutumes libérales, sa fermentation intellectuelle, ses théâtres, ses cafés, son jazz, ses galeries, en font un lieu mythique pour les artistes venus du monde entier en quête de chance et de célébrité.

Le sentiment de libération et le désir de renaissance liés à la fin du conflit contribuent sans aucun doute à l’éclatement de la vitalité de la capitale française dans ce que l’on a appelé « les années folles ». Mais la guerre, dont la France est également sortie victorieuse, a durement frappé le pays, laissant des blessures matérielles et psychologiques non moins lourdes que dans d’autres parties de l’Europe.

L’ambivalence des humeurs de l’époque, oscillant entre l’espoir d’un avenir radieux et une profonde incertitude, dans le domaine artistique se traduit par une modernité agitée, exprimée par une polyphonie de voix et un kaléidoscope de styles, désormais distingués par l’envie de rompre avec le passé pour repartir de zéro, maintenant de la nécessité d’un nouveau type d’ordre, reconstruit sur les bases rassurantes de la tradition.

L’image de la « fête mobile », avec laquelle Hemingway représente le Paris de cette période, reflétant à la fois la joie de la fin de la guerre et le désir d’oublier dans l’ivresse l’angoisse et les traumatismes qu’elle a laissés derrière elle, se prête bien à photographier l’environnement bohème de Montparnasse, où la vaste équipe d’étrangers a établi son siège. Sous l’égide de la soi-disant « Ecole de Paris », ces peintres et sculpteurs, dont Modigliani, Chagall, Lipchitz, Van Dongen, Foujita, Soutine et bien d’autres, ne partagent pas une poétique, un chef ou un manifeste, mais ils sont unis par un style qui, privilégiant le genre du nu et du portrait, est en ligne avec la tradition figurative et il montre son unicité dans la recherche de formes d’expression fortement personnelles, en cohérence avec le rêve de liberté qui les a amenés à s’installer à Paris.

A côté d’eux, de nombreux maîtres qui avaient animé la saison de l’avant-garde historique sont toujours les protagonistes de la scène artistique, tout d’abord Picasso dont le génie se déploie sur de multiples fronts. Sans renoncer, au gré de son étude, à l’expérimentation audacieuse des techniques et des matériaux qui avaient caractérisé son travail les années précédentes, il est parmi les premiers, avec Derain et De Chirico, regardant l’art du passé pour jeter les bases d’un classicisme moderne, tandis que le radicalisme de la langue cubiste dans ses peintures, ainsi que dans les chefs-d’œuvre contemporains de Braque et dans les œuvres de Gris, évolue vers un canon sophistiqué et élégant, certainement plus agréable au goût pour le marché florissant de l’art. Matisse a lui aussi abandonné les tensions de ses recherches d’avant-guerre et les odalisques, jardins et intérieurs pleins de lumière qu’il peint dans le sud de la France, et qu’il expose régulièrement à Paris, sont un véritable régal pour les yeux ce qui montre toute sa maîtrise inaccessible du coloriste. La peinture irisée de son ami Bonnard est également enveloppée d’une sensualité analogue et satisfaite .

Les expériences fondamentales pour le développement et le renouveau artistique de la période ont été les productions des Ballets russes de Diaghilev et des Ballets suédois de Rolf de Maré , pour lesquels certains des plus grands artistes, chorégraphes, écrivains et musiciens contemporains ont été appelés à se réunir. Par exemple, le ballet Parade, mis en scène par Diaghilev en mai 1917, a déclenché la réaction anti-moderniste généralisée des années 1920. Picasso a travaillé à sa réalisation, qui a conçu les costumes et peint le célèbre rideau, avec des éléments cubistes et naturalistes. unis à des figures de l’art populaire, Eric Satie qui a composé la musique, Léonide Massine qui s’est occupée de la chorégraphie et Jean Cocteau du livret.Ce n’est pas un hasard si, précisément dans la richesse et la polyphonie de ces collaborations, les artistes visuels ont souvent exprimé les points les plus avancés de leurs recherches , libérant des énergies créatives qui ont poussé certains d’entre eux à des expériences encore plus audacieuses. Un exemple est celui de Léger avec « le septième art », dans le film Ballet Mécanique de 1924, qui avec sa répétition illogique des pièces trouvées, la multiplication hypnotique des formes et la décomposition des corps, a été l’incursion la plus audacieuse de l’artiste. en abstraction.

En peinture, la recherche dans le domaine abstrait, non conforme à la tradition française mais répandue dans le reste de l’Europe, est représentée principalement par l’art de Mondrian. Installé à Paris en 1919, l’artiste hollandais y trouve les stimuli, à partir du cubisme, pour développer pleinement son esthétique néoplasique, basée sur un principe d’ordre universel, à sa manière conforme à l’esprit classiciste du contexte parisien des années 1920. Dans le même temps, cependant, les expériences complètement différentes ne manquent pas et avec le dadaïsme et la naissance subséquente du mouvement surréaliste, le besoin de rupture et l’esprit révolutionnaire typique de l’avant-garde éclatent également sur la scène parisienne . Transmigré de l’expérience zurichoise, le groupe Dada, qui comptait à Paris Max Ernst, Picabia, Duchamp, Arp et Man Ray parmi ses protagonistes ,avec son ironie corrosive et démystifiante, elle représentait à la fois le point culminant et le déni de tous les mythes progressistes de l’avant-garde. De ces décombres, le surréalisme, utilisant tous les moyens d’expression artistique, et sous l’égide de Marx et Freud, s’est engagé dans l’ambitieuse entreprise de redonner un nouveau sens au monde, qui conduirait à la liberté spirituelle et matérielle de l’homme. C’est dans cette direction que se déploient les univers oniriques des toiles de Magritte et Miró et qui font bouger les expérimentations d’écriture et de peinture automatiques, basées sur la libération de l’inconscient, utilisées aussi bien par les écrivains breton, Eluard et autres , que par les peintres Masson et Ernst. Mais bientôt, comme cela était arrivé à l’avant-garde des années 1910, le rêve de donner au monde une chance d’être différent et meilleur qu’il ne l’avait été se serait dissous dans un nouveau scénario de guerre beaucoup plus sombre, préfiguré, dès le seuil dans les années trente, dans le travail de plusieurs des principaux artistes du mouvement, à partir des panoramas inquiétants de Dalí et Tanguy jusqu’aux cruels cauchemars mis en scène dans les chefs-d’œuvre de Buñuel .