Amedeo Modigliani : un mythe controversé

«Amedeo sourit, serrée dans une veste de velours. Il est beau, sympathique, acteur »(Dan Franck). La photographie, prise en 1918 par Paul Guillaume, l’un des premiers et plus grands marchands d’art rencontrés par Amedeo Modigliani (Livourne, 1884 – Paris, 1920) à Paris est l’image la plus connue de son ami artiste. «Un long foulard le suit comme une traînée. Il s’assoit devant un inconnu, retire sa tasse et sa soucoupe avec de longues mains nerveuses, sort un cahier et un crayon de sa poche et commence à dessiner un portrait sans même demander la permission. Signature. Il décolle le drap et l’étend fièrement à son modèle. Alors il boit, alors il mange. ”

Bien des années plus tard, en 2004, pour l’écrivain Dan Franck, il est plutôt un artiste maudit, un Italien passionné qui part à Paris pour faire fortune. Il y aura de nombreuses autres expositions, livres ou catalogues qui reproduiront le stéréotype (parfois avec certaines données) d’un Modigliani bohème qui utilise du haschisch ou s’attarde dans l’alcool. Ce n’est pas un hasard si sa biographie, tracée en partie dans des contours enfumés, en partie avec la connaissance des faits, se termine par un destin court et moqueur . D’ailleurs, suivie d’une série de drames et des suicides de ses femmes, Béatrice Hastings d’ abord puis par Jeanne Hebuterne, épouse et mannequin qui se jette enceinte par une fenêtre de la maison de son père le lendemain de la mort de l’artiste. Pourtant, la véritable “malédiction de Modigliani” est celle dont il est la victime. Comme cela arrive souvent, légende et tragédie se mélangent pour perdre des traces d’objectivité , quand il s’agit de grands personnages, comme Caravaggio ou Van Gogh, surtout s’il s’agit de “Modì”. Il est donc difficile de distinguer la vraie qualité d’un artiste de son histoire existentielle tourmentée.

 

L’artiste de Livourne ne fait pas exception . Il y a mille raisons derrière son mythe: beaucoup sont attribués aux préjugés, à la nécessité de forcer l’artiste maudit dans l’étiquette, ainsi qu’aux bizarreries qui ont souvent gâché le jugement, niant la valeur intrinsèque de l’œuvre, la coupant pendant longtemps. temps hors des personnalités éminentes du début du XXe siècle. Ce récit, fait de faux mythes, a parfois supplanté une enquête scientifique et précise, et ce malgré les nombreuses investigations, entre virages et dénégations, qui ont suivi: du récit de la découverte en 1984 des trois têtes à Livourne, au dépôt du dossier en 1991, depuis les événements de Palerme avec la contrefaçon présumée d’œuvres, jusqu’au cas le plus récent de Spoleto. Depuis quelque temps, le doute s’infiltre dans le catalogue des œuvres et les raisons de leurs mouvements et des expositions consacrées à Amedeo Modigliani. De plus, à chaque fois qu’on parle de lui, la polémique dans les journaux devient folle, des dizaines d’articles rédigés par des universitaires et des critiques nient la signature et la paternité de certaines œuvres encore en circulation. On parle souvent de “faux” qui parcourraient le marché de l’art en son nom. En fait, il n’y a pas que le cas du dessin avec la femme assise , saisi l’année dernière à Rome ou celui des pièces exposées à l’exposition (ouverte il y a deux ans et immédiatement fermée), au Palazzo Ducale de Gênes, également sur le dessin de la Femme Fatalesorti pour la première fois en soixante-dix ans à l’exposition Spoleto 2018, de fortes soupçons se nourrissent. Tous ces épisodes sont désormais si fréquents qu’on peut, à juste titre, parler d ‘”obsession du faux Modigliani”, voire même d’un véritable “Affaire Modì”: pour expliquer un paradoxe qui touche une figure de tout respect qui , près de cent ans après sa mort, il ne trouve pas de paix, ébranlé par des scandales incessants, des attributions présumées de cadres, de faux diagnostics et des idées préconçues. Les raisons de ramener toute l’histoire de Modigliani à la lumière sont donc valables, encadrez-le avec autant de rigueur et d’attention que possible. Il faut tout d’abord garder à l’esprit la place d’honneur qu’elle occupe dans les collections des grands musées du monde (le musée de l’Orangerie à Paris, la Tate Gallery de Londres, la Pinacoteca di Brera) ainsi que parmi les rangs des grands les collectionneurs (Roger Dutilleul, Georges Menier, Jonas Netter et Paul Alexandre), puis la place privilégiée qu’il trouve au cœur du grand public .

Mais s’il est très aimé, recherché par les marchands d’art et que ses peintures atteignent des prix vertigineux, Amedeo Modigliani est resté trop longtemps en marge et a été à plusieurs reprises exclu de ce cercle d’artistes, comme Picasso et Derain, qui, après Cézanne, ont représenté l’incunable de l’art moderne. Pouquoi? Est-ce la faute d’une construction ad hoc d’un mythe facilement transposable dans des expositions à grand succès ? Ou les responsabilités devraient-elles incomber aux cercles universitaires ? Jusqu’à récemment, les études officielles l’avaient négligé, le considérant comme un peintre de peu de valeur, simple, et trouvant ses modules répétitifs: il était considéré comme dépourvu d’une réelle charge innovante. Aveuglé non seulement par les diatribes enflammées qui animaient (et comme nous l’avons vu, encore animent), la question vexata de l’ authenticité de ses œuvreselle apparaît aussi intimidée dans l’expression des opinions finales: la recherche scientifique a risqué d’être paralysée, sinon empêtrée dans le réseau anecdotique ou, tout au plus, dans l’incertitude. L’entêtement de certains chercheurs, ainsi que l’exposition à la Tate Gallery de Londres (2018) ont contribué à tenter de résoudre le problème plus précisément. En éloignant l’artiste de l’aura mythique qui l’avait entouré jusqu’à ce moment, chacun a rendu son épaisseur, reconstruisant sa courte parabole dans un scénario plus adhérent à la vérité.

L’histoire d’Amedeo Modigliani a traversé deux nations, l’Italie et la France, et s’est déroulée dans une période très complexe de l’histoire européenne . Au tournant du petit siècle, alors que, dans quelques années, une série d’événements tragiques se profilait en raison des conséquences qui se seraient bientôt produites: l’attaque de Sarajevo et l’ affaire Dreyfus ont marqué la fin de la Belle É poque, et a anticipé les troubles déjà en cours, conduisant au déclenchement de la Première Guerre mondiale et à l’émergence d’idéologies totalitaires. Modigliani était juif (comme le révèlent également certains symboles gravés dans les têtes de grès) et, jeune homme, dans sa ville natale, il a commencé avec le spiritisme, les principes alchimiques et la Kaballah. C’était un artiste à la recherche obstinée d’ une forme pure : d’abord, dans l’expression de la sculpture de la tête seule, puis dans la peinture presque exclusive de portraits, souvent de ses amis et femmes aimées.

«La carrière de Modigliani est l’histoire d’une longue réflexion sur et sur le visage humain» (Claude Roy) Il s’est d’abord formé à Livourne dans l’atelier de Guglielmo Micheli, où il a également rencontré Oscar Ghiglia . Ici, poussé par les conseils du maître, il part pour des voyages en Italie: Venise, Rome et surtout Florence, pour étudier à l’Académie Libre du Nu, voir Masaccio dans la chapelle Brancacci et les sculptures de Tino da Camaino au Museo dell’Opera del Duomo. Mais il se rend aussi à Pise, sur les traces des fresques de Buonamico Buffalmacco. Bientôt, dès 1906, il entend l’appel des lumières de Paris, où il résidera avec de longs séjours et le séjour définitif jusqu’à sa mort en 1920, des suites de la fièvre typhoïde, à l’hôpital de la Charité. Lorsqu’il arrive à la Ville Lumière, il ‘s’installe à Montmartre, rue de Calaincour, à proximité des places de Pablo Picasso (ancienne fabrique de pianos). C’est l’année des Demoiselles d’Avignon, 1907, mais avant que tout le monde (artistes, musiciens, écrivains) ne s’installe dans le quartier Montparnasse, Modigliani, non loin de l’endroit où travaille Brancusi, se trouve à la Cité Falgiuère, un «misérable trou à l’intérieur duquel la cour, [se rend compte] neuf ou dix têtes. ” Et il semble que parfois «il arrangeait ses sculptures – inspirées de l’art africain mais aussi de celui de l’Égypte ancienne, de la sculpture kmer et même de la sculpture gothique classique italienne – de manière à leur faire apparaître des éléments d’un temple primitif» (Gloria Fossi ) .

 

Pour cette raison, il allumerait parfois une bougie au-dessus de chacun d’eux.Dans le nouveau quartier, il fréquentera la communauté de la rue Delta, dirigée par Maurice Drouart et créée par le docteur Paul Alexandre (son premier mécène, et l’un des premiers à lui fournir du haschich) . Ici, il rencontre Marc Chagall et Cha ïm Soutine, un artiste qui deviendra son grand ami et protégé. Ce sont des années mouvementées, des années de “paradis artificiels” et d’enrôlements. Apollinaire entre en guerre, beaucoup ne reviendront pas, mais Picasso reste dans la ville, puisque l’Espagnol est neutre, et Modì reste réformé pour des problèmes de santé. Au fil des années, de Paris à Londres, New York et Zurich, il y a eu peu d’expositions, douze en tout, et une seule exposition personnelle, à la galerie Berthe Weill en 1917. Organisé par son ami et mécène Léopold Zborowski, il sera là pour la présence des nus, immédiatement fermé. Pourquoi juste une exposition?Modigliani est mort à l’âge de trente-six ans, peu de temps après la fin de la Première Guerre mondiale, il y a plus de quelques années en facilitant des expositions de groupe: Picasso et Matisse participaient également uniquement à des expositions de groupe à cette époque. Mais Modigliani doit aussi être reconsidéré comme un connaisseur attentif de l’art, et pas exclusivement de l’art italien, mais aussi de l’art non européen. Les modèles et les formes du soi-disant «primitivisme» ou «art nègre» ont eu un fort impact sur son travail, influence qu’il a régénérée avec ses propres recherches. “À ce moment-là”,écrit Anna Achmatova, amie et poétesse, «Modi était furieuse contre l’Egypte […] il est clair que c’était son dernier engouement […]. Il a dit: “Les bijoux doivent être sauvages” faisant référence à mes perles africaines et il m’a dépeint avec ce collier. «Dans ses œuvres – Modigliani – il révèle et dissimule, supprime et augmente, séduit et calme. Cet aristocrate éclectique, profondément inspiré, socialiste et sensuel à la fois, utilise les techniques artisanales de la Côte d’Ivoire et le style des icônes byzantines, de l’art gothique et pluribus, crée un Modigliani palpitant ” .

Ses recherches précises sur le trait , les formes allongées, la construction exaspérée du portrait, font de lui l’ une des principales personnalités artistiques de ces années , notamment pour une forme d’expérimentation pérenne. «Le prolongement de l’image, excessif face aux mesures naturelles», écrit Lionello Venturi, «était le besoin essentiel d’un goût qui contenait en lui-même l’antithèse de la profondeur et de la surface, du constructif et du décoratif».

Son style, quoique aux passages parfois imperceptibles, change continuellement, depuis l’étude initiale de la sculpture (sa véritable passion, comme il le confie à son ami Ortiz de Zarate en 1903, à Venise) jusqu’à l’abandon de celle-ci au profit de la peinture. Un changement de pas dû non seulement aux dommages que la poussière des matériaux causait à sa santé déjà précaire, mais parce que poussé par ses marchands, car ils considéraient la peinture comme une activité plus rentable. Sa poétique sera désormais exclusivement consacrée à la peintureavec l’utilisation d’une palette qui se concentre, en plus de l’utilisation prédominante du blanc de plomb, révélée par un diagnostic radiographique, sur trois ou quatre autres tons: jaune chrome ou cadmium, ocre jaune, rouge vermillon, terre verte et bleue de Prusse. Toutes les couleurs diluées avec de l’huile de lin, afin de réduire les temps de durcissement des couleurs. “S’il déforme tout pris par le désir d’atteindre la grâce, s’il se sacrifie pour créer et si rien ne l’intéresse sinon le choix de la couleur après le rythme” (Francis Carco) Ici, son secret repose sur un peu plus de quatre cents œuvres, dans l’architecture du mouvement qui subordonne les lignes de l’histoire et la pousse vers le mythe.