L’univers surréaliste de Joan Miró

Publié le : 17 novembre 202012 mins de lecture

Le surréalisme est un mouvement d’avant-garde qui est né en France entre les deux guerres. Ce terme signifie surmonter le réalisme. En fait, l’intention des artistes est d’opposer le rationalisme et le naturalisme de l’art bourgeois, en élaborant plutôt un nouveau langage capable de pénétrer les régions de l’inconscient, offrant une vision plus authentique et plus profonde de l’ego. Ainsi, dans l’art, le surréalisme élabore des formes correspondant à l’automatisme psychique et au monde de l’inconscient, avec des formes réalistes ou fantastiques, résultat d’une vision intérieure. C’est l’intention de Joan Miró, qui transforme la réalité en un monde de rêve.

Miró, un artiste inimitable

Né à Barcelone en 1893, le peintre Joan Miró expérimenta diverses tendances avant d’entrer en contact avec le surréalisme, le mouvement qui le mènera à sa maturité artistique. Dans un désir iconoclaste de développer de nouveaux moyens d’expression pour défier les techniques traditionnelles, Miró réinventa constamment son style et ne cessa jamais de créer de nouvelles œuvres peu de temps encore avant sa mort le 25 décembre 1983 à Palma de Majorque

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Miró et le surréalisme

Le peintre, graphiste, sculpteur catalan est très attaché à sa terre, à la vie des paysans, à leurs objets quotidiens, à l’art populaire. Et plus encore : aux lumières et aux couleurs de la Méditerranée, qui représentent certaines de ses sources d’inspiration. Puis, ses séjours à Paris et sa fréquentation de Picasso, ainsi que les représentants du dadaïsme et du surréalisme, ont tracé son style, ainsi que ses choix artistiques. La période surréaliste de Miró est généralement indiquée dans les années 1924 à 1930.

– Joan Miró et la poésie de sa terre

Miró puise dans la vie quotidienne du sol catalan : le bruit des chevaux dans la campagne, les roues en bois des charrettes qui grincent en cours de route, le bruit des pas, des grillons sont autant de sources d’inspiration pour le peintre surréaliste. L’artiste à Paris, encouragé par Pablo Picasso, commence à travailler. Il s’est donc rapproché du cercle des artistes et poètes dadaïstes, admirés par l’absence de règles et d’idées préconçues dans l’art. Mais l’artiste, né à Barcelone en 1893, a travaillé sur une voie indépendante, hors des schémas et des conditionnements, à l’abri des exigences des marchands d’art. C’est à partir de la rencontre avec les surréalistes, dont il apprécie l’importance du jeu arbitraire des pensées et des rêves, qu’il arrive à partir de la réalité à des associations d’images qui ont un sens plus profond, comme il le représente bien dans son œuvre le Carnaval d’Arlequin, réalisée entre 1924 et 1925. Il s’agit d’un art conceptuel qui se simplifie dans ses formes.

Présenté comme une alternative au dadaïsme, courant qui était prédestiné à disparaître en raison de son esprit destructif, le surréalisme bouleversa la scène culturelle de Paris durant les années 1920. Dès ses débuts, le mouvement surréaliste eut pour chef de file le poète français André Breton qui, influencé par les théories psychanalytiques du docteur Sigmund Freud, défendait la validité du monde des rêves et des élans irrationnels. D’après Breton et ses adeptes, les artistes devaient opérer en marge des filtres imposés par la raison et des considérations esthétiques et morales, accédant directement à l’inconscient pour exprimer leurs pensées librement. Toujours attentif aux courants intellectuels alternatifs, Miró se rapprocha rapidement du surréalisme et expérimenta une évolution créative qui l’incita à redéfinir complètement son style et à commencer une nouvelle étape picturale dominée par la présence d’images oniriques et de symboles de plus en plus personnels.

Les formes fantastiques de Mirò

Dans ses peintures, il y a toujours une trace de réalité, même si elle tend à devenir une peinture abstraite avec des formes fantastiques juxtaposées les unes aux autres. Ainsi, un œil, une main ou la lune apparaissent. Certaines peintures de Miró suggèrent un ciel étoilé. Miró est inspiré par la nature et pas seulement par la musique. C’est en 1936 qu’il quitte l’Espagne et se retire à Paris pendant la dévastatrice guerre d’Espagne. Ici, à Paris, il commence à composer des poèmes de style surréaliste, en utilisant les mêmes mécanismes que ceux adoptés pour la peinture. Il n’est pas difficile de voir apparaître des mots dans ses œuvres. De plus, ses œuvres sont influencées par l’art oriental, c’est-à-dire les œuvres calligraphiques japonaises. Un aspect curieux de Joan Mirò est son habitude de travailler simultanément sur plusieurs tableaux.

La technique : de l’huile sur toile au collage

L’artiste peint à l’huile sur toile et ne se limite pas à cela : il utilise également le collage, parfois le support sur lequel il peint sont des toiles de jute rugueuses. Dans les années qui suivent la Seconde Guerre mondiale, il commence à utiliser d’autres techniques avec enthousiasme : la céramique, la sculpture et la gravure.

Comprendre l’art de Miro et l’aimer

Sa légèreté, la couleur gaie qu’il utilise, ayant cependant un faible pour le noir, font de lui l’un des auteurs les plus appréciés et les plus aimés du XXe siècle et l’un des artistes les plus représentatifs du surréalisme. Celui envers Miró et le surréalisme, n’est pas un coup de foudre, il faut entrer dans son art, ce qui conduit à un véritable abstractionnisme lyrique, qui donne diverses clés d’interprétation. Son art est une liberté d’expression sans scrupules.

Le tournant artistique

Un tournant artistique dans son art a eu lieu au début des années 1920. À cette époque, il décide de créer des œuvres qui combinent peinture et sculpture en créant une sorte de collage tridimensionnel. En pratique, l’artiste récupère de manière aléatoire les objets qu’il trouve et les transforme en sujets pour ses œuvres. Enfin, il expérimente également l’utilisation de la térébenthine, qu’il utilise après avoir nettoyé les pinceaux, en la jetant sur la toile vierge, créant ainsi une sorte de grille de fond.

L’univers des œuvres de Miró

L’éclatement de la Seconde Guerre mondiale en 1939 entraîna la désintégration de la scène avant-gardiste européenne, qui avait eu jusqu’alors son épicentre à Paris. En Espagne, où la guerre civile céda le pas à une cruelle dictature dirigée par le général Francisco Franco, l’art traversait également une situation critique, constamment menacé par la répression et la censure. Paradoxalement, c’est dans ce contexte peu propice à l’innovation que Miró jeta les bases du style qui allait le mener sur le devant de la scène internationale. Isolé du monde externe, l’artiste qui travaillait sans relâche définit une iconographie très singulière qui améliorait bon nombre des ressources plastiques développées les années auparavant. Grâce à cette maturité créative, Joan Miró réussit à séduire la critique et le public tout en se consolidant comme l’un des artistes les plus intéressants de sa génération, détenteur d’un univers aussi reconnaissable qu’inimitable.

Les peintures sauvages de Miró

Au milieu des années 1930, alors que Joan Miró retournait sur sa terre natale, la vie politique espagnole se détériora et les conséquences furent dramatiques. Étant donné leurs postures antagoniques quant à certains thèmes comme le rôle de l’Église dans la société et la propriété des moyens de production, les forces de gauche et de droite renforcèrent leurs positions, générant une situation d’instabilité qui, ajoutée à la fragilité de l’économie, frustra les tentatives de modernisation du pays. La tension arriva à son comble en juillet 1936, lorsque le soulèvement d’un groupe de militaires contre le gouvernement légitime de la République marqua le début d’une cruelle guerre civile qui allait durer jusqu’en 1939. C’est dans ce climat de tensions que Miró, obsédé par l’idée de dépasser la façon traditionnelle de composer– créa certaines de ses œuvres les plus expressives, dominées par des figures à l’aspect monstrueux qui semblaient chercher la confrontation avec le spectateur.

Le langage de la simplicité

L’installation de Joan Miró à Palma de Majorque durant la seconde moitié des années cinquante supposa un changement d’environnement mais également l’occasion de méditer sur sa carrière artistique. Durant le déménagement à l’atelier conçu par son ami Josep Lluís Sert, le peintre redécouvrit les dessins et peintures qu’il avait stockés depuis ses débuts et, après avoir analysé tout ce matériel, il ressentit le besoin de se détacher de son propre passé en donnant une nouvelle orientation à son œuvre. Cette volonté de rupture, accentuée par son étroite relation avec la scène artistique américaine et la culture orientale, devint le moteur de son activité durant les années soixante. Sans renoncer à son iconographie habituelle, le peintre, qui à cette époque connut un regain de popularité grâce à la célébration de rétrospectives dans les principaux musées du monde, évolua vers un style plus direct, qui cherchait à produire le plus d’effet possible en partant des ressources plastiques les plus minimes.

Les dernières années de Miró

Admiré pour sa liberté créative aussi bien à l’étranger que dans son pays d’origine –où il avait été ignoré durant des années par les organismes officiels en raison de son opposition au régime franquiste–, durant les dernières années de sa vie, Joan Miró évita de tomber dans l’autosatisfaction et continua de travailler en utilisant des techniques et des matériaux divers afin d’élargir ses horizons artistiques. Fidèle à son indépendance, le peintre se maintint en marge des diktats du marché, sans réaliser de concessions, se laissant guider exclusivement par son instinct et ses préoccupations intellectuelles, qui le menèrent à centrer son attention sur la recherche de la nature du processus de création. Son intérêt pour les mécanismes et le sens de l’art se refléta non seulement dans ses œuvres, toujours conçues comme un champ d’expérimentation, mais également dans la concrétisation de deux fondations, à Barcelone et Palma de Majorque, destinées à devenir des centres de diffusion de la culture contemporaine.