Qu’est-ce que la peinture à la gouache et comment un paysage à la détrempe est peint ?

La gouache est une technique très ancienne , probablement née en Italie. Au début, le terme «gouache» désignait tout type de peinture à l’eau.

Initialement utilisée pour illuminer et illustrer des manuscrits, la technique avait été adoptée par les premiers peintres européens pour des croquis rapides, notamment pour le paysage extérieur.

A l’âge d’or des magazines illustrés (par exemple la « Domenica del Corriere »), il était utilisé de manière intensive en raison de sa rapidité de réalisation et de séchage.

Comme toutes les techniques, la gouache peut être utilisée de multiples façons pour obtenir des résultats très différents, il suffit de jeter un œil aux œuvres d’ Erik Tiemens , Nathan Fowkes , Thomas Paquette ou Marc Hanson pour réaliser l’énorme potentiel de cette technique.

Les caractéristiques de la peinture à la gouache

Par rapport à l’aquarelle classique, la gouache est plus opaque car elle contient une plus grande quantité de pigment que l’eau et utilise également un pigment blanc. Pour cette raison, il a des propriétés et particularités et caractéristiques uniques:

• sèche extrêmement rapidement
• les couleurs de séchage changent la valeur du clair-obscur – en général les couleurs claires s’éclaircissent et les plus foncées s’assombrissent – créant quelques problèmes pour les peintres, surtout si son travail est divisé en plusieurs séances
• la couleur sèche très rapidement même sur la palette mais, dans le cas de la colle tempera (celles que l’on trouve le plus souvent sur le marché) elles se dissolvent à nouveau dans l’eau
• puisque lorsque la couleur est à nouveau mouillée – à moins qu’elle n’ait été fixée – elle fond à nouveau, la couleur déjà appliquée peut être mélangée avec la nouvelle couche fraîche. Le phénomène s’appelle « lifting » et pour ceux qui ne sont pas familiers avec la peinture à la gouache et ne savent pas comment profiter de cette fonctionnalité est frustrant; avec la pratique, cette caractéristique peut constituer une opportunité technique et expressive; ce qui suit montre l’exécution d’un paysage de gouache qui exploite largement ce qui pour beaucoup est considéré à tort comme un défaut
• Certains préviennent que la peinture à la gouache, si elle est appliquée avec des coups de pinceau trop « épais », peut se dessécher et même dans certains cas s’effriter et se détacher de son support; en réalité le problème n’a rien à voir avec l’épaisseur de la peinture, mais avec la nature du support: si la surface est flexible, comme du papier pas trop épais ou de la toile en vrac ou même montée sur un cadre et est accidentellement enroulée ou subit des blessures alors il montrera facilement des gerçures ou pire; les surfaces plus rigides, comme les panneaux de toile, les cartons montés sur du contreplaqué ou de la masonite préparée avec du plâtre acrylique ne créent pas de tels inconvénients (sauf si vous les martelez …)
• Le séchage prend une finition opaque et satinée avec une surface assez dure qui peut être travaillée davantage.

À consulter aussi : Conseils et premières étapes pour apprendre à peindre

Les soutiens

Peindre sur des feuilles de papier peut souvent être difficile car il est flexible et cela peut provoquer des fissures et des décollements.

Il est préférable de travailler sur des supports plus rigides. Un bon magasin de beaux-arts doit pouvoir proposer des supports adaptés (carton monté sur un support rigide tel que Shoeller, Crescent board ou autres cartons.

Panneaux d’illustration

Autrefois, vous pouviez trouver les excellents panneaux Shoeller lisses, mais à moins que vous ne tombiez dans les fonds de l’entrepôt, il n’y a plus que des panneaux Shoeller à l’aquarelle (rugueux).

Vous pouvez travailler sur des panneaux de type  planche à dessin Crescent  ou des planches d’ assemblage à  utiliser tels quels ou à préparer avec du plâtre acrylique.

Il existe également des panneaux de contreplaqué fabriqués industriellement sur lesquels un carton de type bristol est collé, excellents mais difficiles à trouver.

Masonite, contreplaqué, planches

La masonite, les planches de bois multicouches (au moins 8 mm d’épaisseur) ou chevronnées, préparées avec quatre couches croisées d’enduit acrylique est une bonne surface picturale, elle est utilisée pour tous les types de dessin et de peinture: tempera, huile, acrylique , même pastels, fusain, graphite et crayons de couleur (peut-être préparer la surface à la fin avec une main de poudre de pierre ponce acrylique).

Si vous évitez de poncer entre les couches, vous obtiendrez différents degrés de rugosité.

Si vous le souhaitez, vous pouvez mélanger du sable plus ou moins fin pour obtenir des surfaces vraiment rugueuses.

Un autre type de préparation est le classique des icônes, avec de la craie de Bologne et de la colle animale, la préparation classique pour la dorure .

Avec cette préparation, il est possible d’obtenir des fonds vraiment lisses et veloutés qui absorbent parfaitement la peinture à la détrempe.

Si vous continuez avec l’anglais, vous pouvez vous abonner au forum Tempera dédié à wetcanvas.com ou vous pouvez suivre le blog Cavid Clemons plein d’idées et de notes techniques: de vraies mines d’or.

Attention: certains types de masonite ont la surface finie avec une huile qui pourrait compromettre l’adhérence du plâtre à sa surface. Il est donc nécessaire de travailler avec des panneaux de masonite plus grossiers et plus absorbants ou de poncer la surface avant d’appliquer la première couche de plâtre.

Plan de travail multimédia

Ce sont des panneaux composés d’une couche de papier sur un panneau en résine époxy, difficiles à trouver en Italie je ne les ai jamais essayés mais d’après ce que j’ai lu, ils semblent une bonne solution.

Équipement et espace de travail

Il existe de nombreux types de palette sur le marché, des traditionnelles, en bois avec un trou pour le pouce, aux solutions très élaborées, en plastique, avec des plateaux et des couvercles. Au final j’ai choisi d’utiliser un récipient alimentaire avec un couvercle hermétique plutôt plat, sur le fond où je mélange les couleurs, je mets un verre ou un morceau de plexiglas avec une carte de couleur neutre en dessous; dans la zone où je vais mettre les couleurs de support du papier essuie-tout humide plié sur lui-même plusieurs fois pour que la tempera ne sèche pas trop vite.

Un autre outil indispensable est un nébuliseur (de ceux pour le jardinage ou le parfum ou encore un vaporisateur d’un spray en verre recyclé), important qu’il nébulise bien l’eau. Il est utilisé occasionnellement pour garder la couleur humide sur la palette.

Le spray, ainsi qu’un joli rouleau de papier essuie-tout sont des outils indispensables.

Si vous voulez travailler sérieusement, vous devez avoir votre propre coin où personne ne peut vous déranger, j’ai même fait une vidéo sur l’ importance de l’espace de travail .

La photo à côté montre un espace de travail bien organisé, La palette est un simple plateau en aluminium allant au four, a un couvercle en plastique hermétique et est équipée de la même manière que le mien, avec un verre, une carte de couleur neutre sur le fond et serviettes en papier humides et pliées sur les côtés pour garder la couleur humide. Deux bidons d’eau, le pulvérisateur et les porte-balais complètent l’équipement.

Le chevalet est évidemment à côté de cette table bien organisée.

Comment peindre une gouache de paysage: la méthode de Ralph Parker

Ralph Parker est un excellent paysagiste américain qui aime la peinture à la gouache. Son blog regorge d’informations et d’exemples. J’ai trouvé cet article très intéressant et exhaustif et j’ai décidé de le traduire.

La démonstration de Ralph Parker concerne une peinture de 20 × 25 cm, réalisée sur de la masonite préparée avec du plâtre acrylique et peinte presque entièrement avec des pinceaux plats synthétiques bon marché: principalement un pinceau d’un centimètre de large et vers la fin avec des pinceaux plus fins pour certains détails.

L’esquisse au pinceau

Nous commençons par un croquis très lâche, pour établir simplement la composition et les formes principales. Une bonne couleur pour cette première opération est l’ocre jaune, utilisée plutôt diluée

 

Définir les masses principales

Un mélange de bleu outremer et de terre brûlée d’ombre – toujours assez diluée – est excellent pour établir les masses et les ombres plus sombres. Le bleu / violet de ce mélange est un excellent cadre pour rendre la fraîcheur des ombres. La couleur de la gouache tempera peut être dissoute à nouveau plus tard pour se mélanger avec d’autres passages de couleur ou facilement enlevée avec un chiffon humide ou une serviette en papier, les lignes ocres du croquis ne dérangent pas. Souvent, ils disparaissent dans une grande partie du tableau, recouverts par les couches successives, ou ils restent sous une forme douce, donnant l’apparence d’une nuance chaleureuse au tableau fini.

Commencez à façonner les demi-teintes

Par la suite, des zones chaudes peuvent être créées, en utilisant de l’ocre jaune pur, en travaillant avec la couleur toujours plutôt diluée.

Jouer avec les contrastes que l’on peut obtenir en concurrençant des tons chauds dans les lumières et des demi-teintes avec des tons froids dans les ombres est très avantageux.

A ce stade, nous essayons d’établir par masses où la lumière frappe.

En raison du fait que la tempera sèche fond à nouveau si vous la mouillez, dans certaines zones, il est nécessaire de procéder à des coups de pinceau légers et fluides, pour éviter de dissoudre la couche inférieure.

Une couche claire doit être appliquée pour couvrir partiellement les tons plus foncés ci-dessous.

La tempera sèche en surface très rapidement, mais si vous le souhaitez, en quelques minutes, vous pouvez intervenir avec un tissu humidifié pour tamponner ou frotter légèrement certaines zones pour enlever juste un peu de la couleur juste étaler ou adoucir les bords de la coups de pinceau.

Le bloc de papier humide pourrait mélanger partiellement la nouvelle couche avec la précédente, cela dépend de l’énergie de l’intervention.

Si le remplissage est trop fort, même toute la couleur est annulée, mais si l’intervention est trop légère, il ne se passe pas grand-chose.

Vous pouvez également utiliser un coton-tige pour mettre en évidence certains points plus clairs.

 

Terminer le feuillage et l’eau

En utilisant le bleu outremer, le jaune citron, le jaune ocre et le rouge de cadmium moyen (ou vermillon), commencez à expérimenter avec les verts (en parlant d’expériences quand il s’agit de travailler avec des feuilles vertes, expérimenter est le terme approprié).

Une méthode pour mélanger une série de verts qui ne sont pas trop dissonants les uns avec les autres consiste à partir du jaune ocre mélangé au bleu, le jaune citron éclaircira le vert obtenu sans enlever la saturation, un autre bleu et une touche de rouge l’assombrira à la place. plus d’ocre dans le mélange original vous fournira des tons chauds à utiliser au premier plan. De cette manière, on obtient des gammes tonales harmoniques qui ne crient pas entre elles.

Tout en travaillant sur les frondes, il est préférable de transférer des passages légers des tons que vous utilisez vers la zone de l’eau et vous pouvez également les utiliser avec un tampon légèrement humide, pour mélanger les couleurs et adoucir les coups de pinceau.

 

Créer le ciel

À ce stade, vous pouvez commencer à construire le ciel, en utilisant des combinaisons d’outre-mer, de jaune ocre, une touche de rouge et de blanc de titane, le tout appliqué légèrement avec prudence et délicatesse.

Vous pouvez laisser les couleurs du ciel entrer dans les bords des arbres en profitant du fait que la couleur sous-jacente se mélange avec la couleur humide ajoutée pour adoucir certains contours.

Créez des trous dans le feuillage en appliquant la couleur du ciel à certains endroits pour donner une impression de légèreté au feuillage.

Continuez à travailler soigneusement sur les branches, même avec des coups de pinceau gras et couvrant.

La couleur du ciel doit également être étalée sur la surface de l’eau pour se combiner et se mélanger en partie avec les reflets du feuillage.

À ce stade, la ligne d’horizon n’est toujours pas définie, mais dans cette zone, il est préférable de laisser les couleurs se mélanger, indéfiniment grâce aux coups de pinceau humides et à l’utilisation d’une serviette en papier humide.

Finitions et finitions

Désormais, il s’agit de continuer avec de petites retouches, en alternant les coups de pinceau de couleurs opaques ou transparentes, pour détecter les lumières ou pour approfondir et plonger les ombres, les zones chaudes et froides.

La ligne d’horizon doit être mise en évidence, la séparant de la silhouette indistincte des arbres les plus éloignés, ceux qui se détachent contre le ciel.

Vous pouvez améliorer la surface de l’eau en spécifiant le reflet du ciel, du sol et du feuillage sur sa surface et en augmentant la précision de tous les détails à l’approche de l’observateur.

Sur les nuages, quelques touches de blanc de titane avec une idée ocre ajoutent de la chaleur au ciel. Ensuite, il s’agit de travailler un peu plus sur les verts du premier plan, pour accentuer un certain contraste lumineux des feuilles qui ressortent dans le ciel.

Quelques coups de pinceau pour donner l’idée de contrastes et de détails plus importants dans les masses d’herbe au premier plan et le tour est joué.

En regardant le travail fini, on peut observer qu’à l’horizon entre l’eau et la silhouette du feuillage au loin, il y a probablement trop de détachement, il est donc possible d’intervenir avec des remplissages légers, peut-être même en adoucissant les détails du ciel qui peuvent être aperçus dans les trous entre les frondes.

Le travail est maintenant prêt pour la peinture finale.

L’intrigue de la peinture

Ci-dessous, il y a un détail grandeur nature, vous pouvez voir la texture des coups de pinceau et l’interaction entre les différents niveaux de la peinture, vous pouvez également voir comment les coups de pinceau, les rayures et les remplissages apparaissent contrastés et rugueux, mais observés à la bonne distance le travail fini a une apparence vraiment douce et naturelle.

Une méthode polyvalente, qui présente les principes généraux de toutes les peintures

J’ai aimé proposer cette séquence de peinture car l’approche de Ralph Parker est très correcte, systématique, et présente clairement une approche de la peinture de paysage dans un premier temps qui peut être considérée comme valide – fait les ajustements appropriés liés à la différence du support – pour d’autres techniques de peinture: certainement la peinture à l’huile et aussi la peinture acrylique.