Qu’est-ce que le surréalisme ? Comment l’art illustre l’inconscient ?

Le surréalisme est plus qu’un style artistique – c’est un mouvement artistique.

Contrairement à d’autres mouvements créatifs, qui peuvent être caractérisés par des thèmes d’imagerie, des choix de couleurs ou des techniques, définir l’art surréaliste est légèrement plus difficile à faire.

Les artistes surréalistes – comme Joan Miró, Salvador Dalí, Pablo Picasso ou Michael Cheval, entre autres – cherchent à explorer l’inconscient comme moyen de créer de l’art, résultant en des images oniriques, parfois bizarres, sur des médiums infinis. Le cœur du surréalisme consiste à illustrer automatiquement les pensées les plus profondes de l’esprit lorsqu’elles font surface. Ce processus de réflexion pour créer un art appelé « automatisme ».

Au fil des ans, le surréalisme a abouti à une collection fascinante d’œuvres d’art allant des paysages mythiques aux arrangements de sculptures obscurs, en passant par des représentations intrigantes de personnes et d’animaux.

 

Qu’est-ce que le surréalisme et comment a-t-il commencé?

Le poète Guilliame Apollinaire a d’abord inventé le terme «surréaliste» en référence à l’idée d’une réalité indépendante, existant «sous» notre réalité consciente.

Mais le mouvement surréaliste a fait surface pour la première fois en 1924 lorsque le poète français André Breton a publié son « Manifeste du surréalisme », influencé par les théories et les écrits sur l’inconscient du psychologue Sigmund Freud, les études révolutionnaires  de Carl Jung et le début du XXe siècle. Mouvement Dada.

Alors que le surréalisme a commencé comme un mouvement littéraire dans la prose et la poésie de Breton et d’autres, des artistes plasticiens tels que Giorgio de Chirico, Pablo Picasso , Francis Picabia et Marcel Duchamp ont embrassé le surréalisme et ont été reconnus dans la publication de Breton de 1925, « La Révolution Surréaliste.  »

Les premiers surréalistes ont défié les contraintes de la conscience et de la rationalité pour libérer l’inconscient – une «réalité supérieure», comme l’appelait Breton.

Un aspect fondamental du mouvement surréaliste est un mode d’expression appelé «automatisme», qui implique l’acte d’enregistrement automatique ou non censuré des pensées et des images qui émergent dans l’esprit d’un artiste. En mettant l’accent sur l’exploitation des processus de pensée involontaires et l’interprétation des rêves, les œuvres d’art surréalistes ne se limitent pas à un style ou une technique artistique spécifique.

Tout au long des années 1920, les artistes visuels ont continué à explorer les concepts surréalistes de l’art, à la recherche d’une liberté créative totale. La toute première exposition sur le surréalisme, intitulée «La Peinture Surréaliste», a eu lieu en 1925 à la Galerie Pierre à Paris, établissant fermement la composante visuelle du mouvement.

Bien que le mouvement surréaliste en Europe se soit dissipé au début de la Seconde Guerre mondiale, de nombreux artistes surréalistes ont déménagé aux États-Unis où le mouvement a été relancé, influençant des artistes plasticiens renommés tout au long du 20 e siècle.

 

Techniques artistiques dans l’art surréaliste

En raison de l’accent mis sur la liberté créative, les techniques artistiques des œuvres d’art surréalistes varient considérablement. Cependant, en dépeignant l’imagerie onirique si courante dans l’art surréaliste, un certain nombre de techniques ont été conçues par des peintres surréalistes pour aider à capturer les pensées de l’inconscient.

Le frottage (frottant un crayon doux ou un crayon sur une surface texturée, laissant des restes de texture sur le papier ou la toile) et le grattage (grattage de la surface peinte de la toile pour générer une texture plus visuelle) étaient des techniques qui ont créé une image partielle et inachevée, invitant le spectateur à explorer les détails manquants.

Mais les artistes surréalistes ne se sont pas limités à un seul médium. Les sculptures, la peinture, la lithographie, la gravure, le cinéma, la photographie et d’autres méthodes faisaient toutes partie de l’art surréaliste des années 1920 et continuent d’avoir un impact sur les artistes modernes inspirés par le surréalisme.

De nombreux artistes surréalistes ont également combiné différents styles artistiques en une seule œuvre, explorant la présence de formes reconnaissables associées à des images fluides et incertaines pour guider l’esprit de leurs spectateurs sans fournir d’explications concises.

L’objectif principal des artistes surréalistes était d’embrasser l’automatisme et de libérer l’imagination et les pensées inconscientes de l’esprit, interprétées différemment par chaque artiste.

 

Artistes surréalistes du XXe siècle et d’aujourd’hui

Salvador Dalí est l’un des premiers noms qui me vient à l’esprit lorsque l’on parle d’artistes surréalistes. Comme beaucoup de surréalistes, Dalí a utilisé divers médiums pour créer ses visuels emblématiques oniriques et hallucinatoires, notamment la gravure, la lithographie et la peinture.

Breton a décrit l’art de Dalí comme «un métier rétrograde avec les inventions les plus extrêmes de la culture moderne», soulignant le style artistique emblématique de Dalí qui a incité ses spectateurs à explorer la littérature, les concepts religieux, etc.

Un autre nom notable, autrefois décrit par Breton comme «le plus surréaliste de nous tous», est Joan Miró . Bien que Miró ne se soit pas proclamé surréaliste, il a sans aucun doute été influencé par le mouvement dans une grande partie de son travail.

Miró était célèbre pour ses œuvres dans de nombreux médiums, s’inspirant de l’art populaire catalan et de l’art des enfants. Il a mis l’accent sur les couleurs vibrantes et les formes obscures pour invoquer l’émotion et l’émerveillement de son public.

L’artiste contemporain Michael Cheval démontre comment le mouvement surréalisme des années 1920 a influencé l’art moderne avec ses peintures imaginatives «absurdes» qui ont gagné en popularité au début des années 2000. Comme beaucoup des premiers surréalistes, Cheval utilise la musique et la poésie pour inspirer les sujets qu’il peint dans ses peintures fascinantes, souvent métaphoriques.

«L’absurdité, comme tout autre genre, a ses propres règles. Mais, cela implique tout ce qui est en dehors des règles et limites communes », dit Cheval. «L’absurdisme est une tentative de comprendre notre vie telle qu’elle est vraiment.»

L’œuvre d’ Anatole Krasnyansky est une autre version moderne de l’art surréaliste Bien que gagnant à l’origine du succès pour ses superbes peintures de paysages architecturaux, Krasnyansky a développé un style surréaliste après avoir vu pour la première fois  le groupe de rock KISS .

Cette expérience émouvante a incité Krasnyansky à commencer à illustrer son émotion à travers son art avec des personnages masqués, rappelant l’accent mis sur l’enregistrement automatique des pensées qui ont façonné les peintures surréalistes des années 1920.

Alors que les formes de Krasnyansky sont décidément distinctes, les figures masquées représentent «une multiplicité de visages» qui, selon l’artiste, représentent la façon dont les gens s’adaptent et changent dans différentes situations.

Alors que l’art surréaliste ne rentre pas dans une boîte ordonnée déterminée par une liste de points communs, son accent sur l’automatisme et l’inconscient qui a motivé les maîtres originaux des années 1920 continue d’avoir un impact sur les œuvres des artistes et créateurs modernes.

Des formes abstraites et colorées des gravures de Miró aux peintures composées et mystérieuses de Krasnyansky, les œuvres d’art surréalistes capturent l’imagination des amateurs d’art et des collectionneurs du monde entier.